Sans titre

Artiste danois peut-être le plus complet de sa génération, Per Kirkeby est tout à la fois peintre, dessinateur et graveur, mais également sculpteur, cinéaste, écrivain, géologue, grand voyageur et architecte. Toutes ces compétences sont mises à contribution pour la création d’une œuvre forte, profondément enracinée dans la culture scandinave (Kirkegaard, Hill, Thorvaldsen, Jorn, entre autres), et dont les formes multiples débordent parfois les traditionnelles classifications. Les dessins dits de « grand format » constituent – par leur technique (fusain, gouache, crayon), leur format standardisé (plus ou moins 230 x 150 cm) et leur présentation spécifique dans plusieurs expositions, comme au Centre national d’art contemporain de Grenoble en 1992 – une catégorie à part dans sa production. Alors que la couleur joue un rôle prépondérant dans ses peintures, Kirkeby se limite ici volontairement à une monochromie austère, explorant dans l’espace monumental de la feuille de papier les possibilités d’expression réduites du noir et blanc : « C’est dans le noir qu’était l’écho de la lumière » , constate-t-il très tôt. La « sur-dimension », quant à elle, est l’effet de « cette absence de sérénité » qui est la condition de son art.

La première suite, réalisée en 1977, comporte une quinzaine de dessins ; l’un d’entre eux représente le naturaliste Alexander von Humboldt, d’autres évoquent une nature lointaine et exotique, peut-être celle du Mexique, que Kirkeby visita en 1971 ; le plus grand (335 x 313 cm) est conservé au Aarhus Kunstmuseum au Danemark, tandis qu’un autre fait partie des collections du Statens Museum for Kunst à Copenhague. L’expérience sera renouvelée à la fin des années 1980 avec une série d’au moins quinze œuvres, dont trois sont depuis entrées dans les collections du Musée Louisana, au Danemark.

Ce dessin fait partie d’une troisième série d’œuvres, réalisée en 1994 en partie en Italie, et qui compte une dizaine de feuilles. Leur iconographie, figurant des paysages, est d’une grande complexité : aux strates « géologiques » caractéristiques de son univers se mêlent des motifs groenlandais (ainsi, le dessin schématique du delta formé par l’eau de fonte des glaciers) et des réminiscences de l’art byzantin – les rochers du Golgotha, motif récurrent dans la peinture d’icônes, apparaissent dans son œuvre au milieu des années 1980. Au croisement de ces différents thèmes répond la grille qui structure l’espace vertical et laisse passer la lumière.

Le tracé au fusain, qui, d’abord gracile, paraît s’estomper avant d’enfler et de finir, en bas de la feuille, en tracés épais et bouillonnants (engraissés encore par la gouache), a le rythme nerveux de forces cosmiques : courants, flux, chutes, passages, s’y cristallisent.

Jonas Storsve

Source :
Extrait du catalogue Collection art graphique - La collection du Centre Pompidou, Musée national d'art moderne , sous la direction de Agnès de la Beaumelle, Paris, Centre Pompidou, 2008