Portraits

Madrid - Fundación Mapfre

Parmi les genres picturaux issus de l’Académie, le portrait, dont on pouvait

penser qu’il serait rétif aux diverses révolutions esthétiques, modernistes

notamment, a produit la plupart des icônes de l’art du XXe siècle. On ne fait

pas un portrait impunément sans que surgissent d’emblée des présupposés

philosophiques, religieux, mythiques ou métaphysiques.

Cubiste, futuriste ou surréaliste, le portrait est un manifeste esthétique ;

pour autant il semble ne jamais se départir tout à fait de ses obligations

vis-à-vis du modèle. La semblance transcende la forme ; la défiguration est en

fait une transfiguration. Quand viendra la déconvenue de l’Histoire, le

portrait porte tout à la fois, la violence, la barbarie et la tragédie de

l’humanité contemporaine.

Cette exposition conçue pour la Fondation Gianadda à partir des prestigieuses

collections du Centre Pompidou autour de la question du portrait et de

l’autoportrait, regroupe une soixan-taine de chefs d’œuvre exécutés par les

artistes majeurs du XXe siècle : Pablo Picasso, Henri Matisse, Amedeo

Modigliani, Henri Laurens, Fernand Léger, Alberto Giacometti, Antonin Artaud,

Francis Bacon ou encore Antonio Saura…

Après la première révolution moderne qu’ont représenté les portraits des

humanistes par Dürer, Jan Van Eyck ou Frans Hals, après la fracture de

l’Impressionnisme qui revendiqua une autonomie pour le peintre, l’artiste

moderne a pratiqué le portrait en dépassant l’objectif de l’expression du

modèle, pour aller au travers du sujet à la rencontre de son « moi intérieur»

et de ses propres intentions artistiques.

L’artiste s’est affranchi dans le même temps, des contraintes jusqu’alors

inhérente au portrait, celles fixées par les commanditaires, qui en attendaient

jadis non seulement une représentation flatteuse mais aussi la mise en scène

d’une position sociale grâce à un ensemble de signes parfaitement codifiés..

L’exposition a été conçue en cinq modules thématiques :

1. Les mystères d’une âme :

Sous ce titre, le cinéaste allemand G.W. Pabst réalisa un des premiers films de

fiction ayant pour sujet la psychanalyse en 1926. Entre la théorie

psychanalytique dans laquelle le rêve est conçu comme la voie royale

d’accession à l’inconscient, et d’autres sciences ou pseudosciences comme la

physiognomonie qui cherchèrent dans l’expression ou dans la morphologie du

visage les données objectives de la personnalité il y a au tournant du siècle

une convergence pour tenter de lire ce que l’homme considérait comme

l’effroyable partie de lui-même. Deux courants artistiques, le fauvisme et

l’expressionnisme se sont faits l’écho d’une subjectivité fragile de l’individu

: les cernes des yeux des femmes de Chabaud ou de Jawlensky, semblent la

métonymie de leur noirceur : femmes fatales ou anges déchus érigés

picturalement en idoles d’un nouveau monde urbain et électrique. La mélancolie

de Dédie, le regard bancal et difforme du groom de Soutine, l’effacement des

traits du visage chez Jacques Villon, Marc Chagall ou André Masson exacerbent

la présence quasi magique du monde intérieur du modèle.

2. Autoportraits

Leon Battista Alberti dans l’ouvrage De Pictura publié en 1435 évoquait à

propos de l’origine de la peinture, un « Narcisse », amoureux de son image.

L’artiste s’instrumentalise, utilise le miroir, pour reproduire trait pour

trait sa propre image spéculaire. Cependant dans cette quête de soi qui prend

la forme d’ une rencontre avec son image, beaucoup d’artistes reconnaissent la

difficulté d’un portrait introspectif : le moi est le modèle assurément le plus

complexe et le plus réfractaire à l’analyse. Beckmann dira : « … le Moi est le

plus grand secret du monde ; Je crois au Moi dans sa forme éternelle et

indestructible.» Cette difficulté inhérente à une quête introspective au

travers de l’auto-représentation alliée à la question du « double », engendre

pour chaque œuvre un manifeste métaphysique et pictural.

3. Le visage à l’épreuve du Formalisme

Nouvel homme ? Surhomme d’essence nietzschéenne ? L’isolement du visage du

reste du corps, la simplification de la morphologie humaine pour une forme sans

« accident morpholo-gique » éloigne la sculpture de l’image de l’enveloppe

extérieure du modèle. C’est l’affirmation d’un anti-mimétisme qui relève, chez

Constantin Brancusi, d’une conception platonicienne de la sculpture en tant

qu’Idée. Pour les cubistes, la référence au primitivisme du masque rituel ou

aux expressions archaïsantes du visage ont souvent été évoqués et les

représentations n’ont pas manqués de susciter révulsion du public qui y voyait

un outrage à ce qui fonde l’humain, voire même blasphématoire pour la partie de

l’homme que Dieu a créé à son image. La ressemblance, concept inhérent au

portrait semble devoir être définitivement écartée. Pourtant, si nous sommes

loin de l’exercice mimétique du trait pour trait, le processus d’analyse et de

synthèse de la physionomie du modèle par l’artiste permet non seulement une

grande expressivité mais souvent aussi la traduction en langage plastique de la

personnalité du modèle.

4. Chaos et désordres ou l’impossible permanence de l’être

Les œuvres réunies ici ont en commun une jubilation folle pour l’imperfection,

à l’exact op-posé des canons de la beauté parfaite, hérités du classicisme de

la Grèce antique.

Francis Bacon comme Alberto Giacometti élaborent des figures toujours au bord

de la rupture, de la déconstruction ou de la décomposition. « Effondrement de

l’être » écrira Jean Clair à propos de Boeckl, fracas du moi intérieur chez

Artaud, vision de la mort qui s’invite en permanence mais parfois plus que

d’autres, dans l’art du portrait. Dans le saisissant portrait de Caroline par

Giacometti, la miniaturisation de la tête qui semble à l’arrière-plan du plan

du corps, confère toute la puissance et l’autorité du modèle : « une petite

masse de vie, dure comme un galet, bourrée comme un œuf » écrira l’écrivain

Jean Genêt. L’universelle face humaine de Giacometti est aussi l’expression de

la lutte insensée de la vie.

5. Après la photographie

A la maturation progressive du portrait académique au terme de longues séances

de pose, la photographie a opposé au milieu du XIXe siècle, le miracle mais

peut-être aussi la dictature de l’instantané. Tirer le portrait signifie en

affirmer la fulgurance, garante de naturel et d’objectivité. Si la photographie

a plagié et reproduit les codes de la peinture, notamment dans le domaine du

portrait, la peinture a fait également un cheminement inverse mais symétrique :

empruntant le principe de la pose instantanée et improvisée (Cassandre,

Balthus), de point de fuite abaissé ou plongée (Beckmann, Derain tout à la fois

revendiquant une picturalité, celle de la pâte ou du motif (Marquet ou Derain).

En tant que dépassement de la photographie, la peinture du XXe siècle a réfuté

le principe d’objectivité au profit de l’affirmation d’une situation picturale.

Jean-Michel Bouhours

Le commissariat de l’exposition est assuré par Jean-Michel Bouhours,

Conservateur aux collections modernes, Centre Pompidou, Musée national d’art

moderne.

Le catalogue de l’exposition Portraits. Collections du Centre Pompidou

reproduit en couleurs toutes les œuvres exposées.